Buenos días Debido a que la entrada anterior fue utilizada para hablar del carnaval, en esta entrada nos dedicaremos a hacer una breve comparación sobre los aspectos fundamentales dos épocas: CLASICISMO y ROMANTICISMO. En primer lugar, la primera diferencia que salta a la vista es su cronología. El Clasicismo corresponde con el siglo XVIII (aproximadamente) mientras que el Romanticismo corresponde con el siglo XIX. Esta diferencia de un siglo va a estar marcada por un cambio en el pensamiento de la sociedad, y en la manera de entender y valorar tanto a la música como a los músicos.
En cuanto al estilo, la música del Clasicismo es considerada elegante. Elegancia que se consigue fundamentalmente por su simpleza y su clara organización. Sin embargo, la música del Romanticismo se vuelve mucho más complicada. El compositor romántico es visto como alguien importante dentro de la sociedad, como un creador de arte. Podéis ver estas diferencias de forma muy clara en las siguientes audiciones:
Mozart (Clasicismo): Sinfonía Concertante para Violín, Viola y Orquesta, KV 364
Chopin (Romanticismo): Estudio en mi mayor Op 10 Nº 3 "Tristeza"
En tercer lugar, la orquesta clásica es de un tamaño medio, mientras que la orquesta romántica puede llegar a estar formada por hasta 80 músicos. En el Romanticismo se crean nuevas secciones, se amplían en número las que ya estaban y el director se convierte en una figura imprescindible (y de renombre). Para que podais verlo mejor, os adjunto dos imágenes de una orquesta clásica (a la izquierda) y de una orquesta romántica ( derecha).
Para acabar, necesito que hagáis lo siguiente: tenéis que buscar una obra de los compositores más importantes del Clasicismo, y otra del Romanticismo. A continuación, tenéis que escribir el nombre completo del autor elegido, el título y año de la obra, el link de youtube, y aclarar si se trata de música vocal o instrumental. Evidentemente, tendrán que aparecer dos autores (uno por época), dos obras y dos links. Los comentarios que no se ajusten a estas especificaciones NO SERÁN CONTABILIZADOS. A continuación os adjunto la lista de los compositores que trabajaremos: -Clasicismo: Mozart, Haydn, Bach (hijo), Beethoven, Gluck, Boccherini, Salieri, Brunetti, Paganini -Romanticismo: Schubert, Chopin, Schumann, Listz, Brahms, Mendelssohn, Wagner, Chaikovski, Verdi, Mahler, Grieg, Strauss. ¡Manos a la obra!
Muy buenas, chicos ¡Feliz año a todos! Espero que hayáis vuelto con las pilas cargadas.
La entrada de esta unidad estará dedicada a una festividad muy relacionada con la música que se celebra durante ésta época del año: el Carnaval.
Tiene lugar por febrero, justo después de empezar la cuaresma cristiana, que se inicia con el Miércoles de Ceniza. Se basa en el uso de disfraces, desfiles y todo tipo de fiestas en la calle. Cada provincia tiene diferentes formas de celebrar esta fiesta; sin embargo, nosotros vamos a centrarnos en una que ha utilizado la música como elemento principal: EL CARNAVAL DE CÁDIZ.
Es uno de los carnavales más famosos de España, por lo que ha sido reconocido como un evento de Interés Turístico Internacional (junto con el Carnaval de Santa Cruz de Tenerife y el Carnaval de Águilas de Murcia). Parece ser que su origen está relacionado con celebraciones en honor a diferentes dioses de la Grecia y Roma clásicas (concretamente, los bacanales de Baco, los saturnales de Saturno, y las lupercales de Pan.
El Carnaval de Cádiz actual tiene muchísimas formas de celebrarse; sin embargo, la que a nosotros nos ocupa (por su contenido musical) es la celebración del COAC (Concurso Oficial de Agrupaciones Carnavalescas). Es un concurso anual en el que las diferentes agrupaciones cantan su repertorio en las tablas del Gran Teatro Falla. Se presentan agrupaciones de casi todos las poblaciones de la provincia de Cádiz (Cádiz capital, San Fernando, El Puerto de Santa María, Algeciras, etc.), e incluso de diferentes partes de Andalucía (Sevilla, Huelva, Málaga, etc.). Son tantas las agrupaciones (este año son 54 en total), que es necesario realizar varios pases: PRELIMINARES (donde cantan todas), CUARTOS, SEMIFINALES y FINAL (donde van actuando solamente las que han tenido mayor puntuación en las rondas anteriores). Este año comienzan el lunes 22 de enero, y la FINAL no será hasta el 24 de Febrero; por lo que en total serán 30 días de actuaciones (entre pase y pase, hay un día de descanso).
Os adjunto un par de fotos del Teatro Falla (es conocido popularmente en Cádiz como "El templo de los ladrillos coloraos"). La primera es de la fachada, y la segunda es de su interior.
La parte más cercana al escenario es el patio de butacas, que está rodeada de tres plantas de palcos. La parte más alta que se ve arriba también tiene asientos, y recibe el nombre de paraiso. El teatro está situado justo en el centro del casco antiguo de Cádiz, junto a la Facultad de Medicina. Si visitáis la ciudad de Cádiz, no dudéis en pasaros a verlo.
En cuanto a las agrupaciones, hay que diferenciar dos tipos. Por un lado, están las llamadas ilegales, que no participan en el COAC, pero que igualmente tienen un tipo (disfraz) y un repertorio de canciones que se dedican a ir interpretando por los diferentes rincones de la ciudad. Son muy apreciadas entre los gaditanos, y aunque su calidad musical es -generalmente- inferior a las que participan en el concurso, son estos tipos de agrupaciones las que sustentan el verdadero carnaval. Por otro lado, las agrupaciones legales sí que participan en el COAC, por lo que deben cumplir una serie de estrictos requisitos para poder concursar. Podéis echarle un vistazo en el siguiente enlace: http://www.diariodecadiz.es/2016/11/11/BASES_COAC_ADULTOS.pdf?hash=b767831821c1ee52728f468880ee367534dd52e8
Podemos diferenciar cuatro tipos de agrupaciones:
a) Los coros Se caracterizan por usar un gran número de voces y por preocuparse por su belleza musical. -Número de integrantes: entre 12 y 45 personas. -Instrumentos que utiliza: bandurria, guitarra y laúd, aunque recientemente se están incorporando instrumentos propios de la música comercial (batería, guitarra eléctrica, bajo eléctrico, etc). -Coplas usadas: tango, cuplés con estribillo y popurrí
b) Las chirigotas
Su objetivo principal es hacer reír al oyente, aunque sin descuidar la belleza musical. -Número de integrantes: 12 personas. -Instrumentos que utiliza: pitos, guitarras, bombo y caja -Coplas usadas: presentación, pasodobles, cuplés con estribillo y popurí.
c) Las comparsas
Su objetivo principal es de la belleza y complejidad musical, con poco contenido humorístico. Su máximo exponente y creador es el conileño Paco Alba. -Número de integrantes: entre 12 y 15 personas. -Instrumentos que utiliza: pitos, guitarras, bombo y caja, aunque recientemente se están incorporando instrumentos propios de la música comercial (batería, guitarra eléctrica, bajo eléctrico, etc). -Coplas usadas: presentación, pasodobles, cuplés con estribillo y popurí.
d) Los cuartetos
Son prácticamente como un musical o una obra teatral. Su objetivo principal es hacer reír. Generalmente, no son especialmente buenos ni cantando, ya que tampoco es su objetivo. -Número de integrantes: entre 3 y 5 personas. -Instrumentos que utiliza: pitos, claves y guitarras -Coplas usadas: presentación, pasodobles, cuplés con estribillo y popurí.
Con respecto a los tipos de copla, nos encontramos los siguientes:
- La presentación: sirve para que la agrupación explique su tipo y disfraz, y para introducir su repertorio. Su música puede estar copiada de canciones conocidas. Actualmente la interpretan todas las modalidades.
- El pasodoble: tanto su música como su letra deben ser originales. Lo interpretan las chirigotas y las comparsas. Suelen tratar diferentes temas, aunque por norma general, tratan sobre temas de interés general que hayan sido recurrentes durante el año. Muchos autores los utilizan para criticar al gobierno, para denunciar casos concretos (maltratos, robos, corrupción), otros se lo dedican a temas abstractos (el amor, la soledad, la envidia), e incluso algunos tratan sobre personas del entorno (a las madres, a los abuelos, a otros autores, etc.).
- El cuplé: este tipo de copla es interpretada por todas las agrupaciones. Se interpretan siempre dos, y al final de cada uno se canta un estribillo (una breve copla que dura sólo unos segundos y que conecta un cuplé con otro. Suele ser muy pegadizo, y la gente se lo aprende rápidamente). Es la parte más valorada en la chirigota.
- El tango; tanto su música como letra deben ser originales. Es la pieza fundamental del coro y la más valorada de cara al jurado.
- La parodia: es la parte principal del cuarteto. Es una representación en el que los integrantes del cuarteto hablan en forma de diálogo entre ellos, introduciendo notas de humor, ironía y doble sentido. Es la parte más valorada del cuarteto.
-El popurrí: es la copla más larga de todo el repertorio (6-8 minutos). Es una mezcla de diferentes músicas, algunas copiadas de canciones conocidas (a las que les cambian la letra), y otras originales. Se divide en varias partes denominadas cuartetas.
Otro de los elementos clave en el carnaval de Cádiz es la instrumentación. Si bien su utilización es mucho más elaborada en el COAC que en las agrupaciones ilegales, su sonido característico inunda las calles de Cádiz durante toda la fiesta.
Resulta destacable el hecho de que la mayoría de los instrumentistas no han recibido formación musical alguna: han aprendido a tocar "de oido".
Aunque muchas agrupaciones no se ponen límites a la hora de elegir sus instrumentos (como ya hemos mencionado anteriormente), existen 7 instrumentos que se consideran "propios" de la tradición carnavalera. Dichos instrumentos (junto con su imagen a la derecha) son los siguientes:
-La caja y el bombo en comparsas y chirigotas.
- El pito de caña en comparsas, chirigotas y cuartetos.
Para los que quiera ampliar la información, podéis acceder a ella pinchando en cada nombre del instrumento. Os redirigirá a un enlace de Wikipedia,
Por último, informaros de que Todas las actuaciones podréis visualizarlas en la web www.ondacadiz.es y las FINAL es emitida cada año en abierto por CANAL SUR TV. Os animo a que este año podáis disfrutar de ellas, no os arrepentiréis.
Ahora bien, ¿cuál será vuestro trabajo en esta nueva entrada? Tenéis que elegir un pasodoble concreto de una agrupación, escribiendo su título, el nombre de la agrupación y el año entre paréntesis, especificando además el enlace del que lo habéis obtenido. A continuación tenéis que justificar en un mínimo de cinco líneas el tema del que trata la copla, y vuestra opinión personal.
Os aviso de que muchos de los videos que hay en Youtube son de ACTUACIONES COMPLETAS (que duran unos 28-30min), y yo lo que os pido, es una copla concreta (un pasodoble, que dura unas 2min). Todos los comentarios que no se ciñan a estas especificaciones, no serán contabilizados. Para facilitaros un poco el inicio, seré yo el primero que comente, y así os serviré de referencia.
La entrada de esta unidad está centrada en las
influencias que ha podido tener la música barroca en nuestro día a día.
La
mayor contribución del Barroco a la música vocal es -sin
duda- el nacimiento de la ÓPERA. Aunque sus orígenes no son precisamente
espectaculares, sentaron las bases de un nuevo género que poco a poco se erigió
como elemento clave en la música vocal. Como veremos en clase, su nacimiento se
lo debemos a la Camerata Fiorentina. Esta “Camerata” eran unas reuniones que se
hacían entre los principales intelectuales de la época en Italia, en las que se
hablaba de temas culturales (literatura, música, arte). En una de esas
reuniones descubrieron que en la Antigua Grecia, las obras de teatro eran
cantadas, y decidieron imitarlas, naciendo así la ópera barroca. Esto ocurre a
inicios del siglo XVII.
Más
tarde, a mediados del siglo XIX llegan dos figuras que elevan a la ópera a su máxima
expresión: Giacomo Puccini y Giuseppe Verdi (como veis, es Italia la que parte
y reparte en el mundo de la ópera). Puccini, por ejemplo, nos deja para la
posteridad esta joya que estoy seguro que todos habéis escuchado alguna vez en
vuestra vida: Nessun Dorma, de la ópera Turandot(estrenada en 1926, ya con Puccini
fallecido).
En
cuanto al apartado de música
instrumental, voy a permitirme la licencia de que visualicéis primero
un vídeo que os tengo preparado:
Es
un anuncio comercial de Volskwagen sobre su flamante deportivo “Scirocco”. Para
ello, han utilizado de fondo una música muy peculiar, para órgano. Os
sorprenderá saber que la música que suena fue compuesta hace 310 años por Johan
Sebastian Bach (alrededor de 1706)Es la Tocata en Re menor
para órgano. Refleja un ambiente de misterio y de tensión, una mezcla entre
genialidad y locura; lo que concuerda perfectamente con lo que Bach transmitía
en muchas de sus obras, y lo que Volskwagen quiere transmitir cuando ves pasar
un Scirocco. La obra fue compuesta para órgano (como ya sabéis, el piano aun no
ha nacido) y nos permite poder observar la complejidad técnica y compositiva
que van caracterizando a las obras instrumentales. Ya no son un simple género
más dentro un repertorio en el que la música vocal siempre le “comía la tostada”.
La música instrumental se presenta en el Barroco con nombre y apellidos. Adjunto
el vídeo de una interpretación real a órgano para que veáis lo complicado que
es tocarla correctamente.
Para acabar, lo que necesito
que hagáis en esta entrada es lo siguiente: tenéis que buscar una obra de los
compositores más importantes del Barroco. A continuación, tenéis que escribir
el nombre COMPLETO del autor elegido, el título de la obra, el AÑO en el que la
escribió, el link de Youtube, y aclarar si se trata de música vocal profana,
vocal religiosa, o instrumental (justificando por qué). Para hacerlo lo más
variado posible, habrá que fijarse en los tres comentarios anteriores para no
poder repetir ninguno de los usados. Si el autor se ha usado ya alguna vez,
pero no ha aparecido en los tres comentarios anteriores, puede volver a usarse.
Los comentarios que no se ajusten a estas especificaciones NO SERÁN
CONTABILIZADOS.
A continuación os adjunto la lista de los
compositores que trabajaremos: Vivaldi, Bach, Händel. Cassimi, Telemann,
Purcell, Monteverdi, Grabieli, Corelli, Scarlatti, Pachelbel y Rameau.
P.D (es importante que reviséis las respuestas para aseguraros de que habéis comentado correctamente):
La entrada de esta unidad está centrada en las influencias que ha podido tener la música renacentista en nuestro día a día.
Para empezar, vamos a escuchar una breve audición sobre una obra de la máxima figura de la etapa histórica que estamos estudiando: Giovanni Pierluigi da Palestrina (a partir de ahora, haremos alusión a el tan solo con su nombre más extendido: Palestrina). Este compositor marcó un antes y un después en la manera de componer música vocal en su época. Una de las quejas frecuentes de la época estaba relacionada con el hecho de que NO SE ENTENDÍAN LAS LETRAS.
Recordad que estamos en pleno uso de la POLIFONÍA (varias voces a la vez), lo que hacía que en ocasiones, las palabras del texto no se diferenciaran bien por estar una voz cantando encima de otras. Palestrina tuvo especial esmero en maquillar estos problemas, y consiguió que sus obras fueran totalmente comprensibles para su público. A continuación os dejo una misa llamada Super flumina Babylonis (traducido del latín: junto a los ríos de Babilonia), interpretada por el Coro de la Universidad de Bolonia (Italia).
Pero ¿cómo ha influido este tipo de música en la actualidad?, ¿se sigue usando esta forma de componer, o al menos, algo parecido? Os sorprenderá saber que esta tipología de música y de "montaje" de las voces la escucháis más a menudo de lo que pensáis. Os doy un nombre: Carl Orff (1895-1982). Este compositor alemán no es ni mucho menos de la época de Palestrina. Murió hace relativamente poco (en 1982), y cronológicamente vendría a ser contemporáneo (de la misma época) que el padre de vuestros bisabuelos (aproximadamente).
Este enorme compositor se inspiró en un manuscrito de cantos de el siglo XII-XII (Ars Antiqua) para componer una obra que ha pasado a la historia de la música por su enorme grandiosiad: Carmina Burana (1935). Dentro de esta colección compuesta por Orff, hay un total de 25 obras. Sin embargo, vamos a centrarnos en una de ellas: "O Fortuna". Estoy seguro al 99,9% de que habeis escuchado esta obra alguna vez en vuestras vidas. Os dejo el vídeo a continuación:
A pesar de ser una obra relativamente actual, guarda muchas características con las obras que estamos estudiando en esta unidad. Está escrita en latín y es una polifonía en la que predomina la parte vocal sobre la instrumental (aunque con una plantilla instrumental bastante extensa). Como veis todo está conectado.
Retomando el hilo del mensaje de bienvenida, os aseguro que esta obra se ha utilizado en la BSO de más de una película. Es una obra con un gran contenido "épico" muy válida para escenas a cámara lenta, para batallas, para escenas de esfuerzo. Os invito a que hagáis un pequeño ejercicio. Poneros el video que os paso a continuación con el sonido APAGADO. Visualizarlo durante 20-30 segundos, y ACTIVAD de nuevo el SONIDO. De esta forma podréis experimentar de una forma muy palpable la importancia de la música en las escenas de todo lo que veis en el cine o en la televisión.
Para acabar, lo que necesito que hagáis en esta entrada es lo siguiente: tenéis que buscar una obra de los compositores más importantes del siglo XV-XVI. A continuación, tenéis que escribir el nombre COMPLETO del autor elegido, el título de la obra, el link de youtube, y aclarar si se trata de música profana o religiosa (justificando por qué). Para hacerlo lo más variado posible, habrá que fijarse en los tres comentarios anteriores para no poder repetir ninguno de los usados. Si el autor se ha usado ya alguna vez, pero no ha aparecido en los tres comentarios anteriores, puede volver a usarse. Los comentarios que no se ajusten a estas especificaciones NO SERÁN CONTABILIZADOS.
A continuación os adjunto la lista de los compositores que trabajaremos: Palestrina, Lasso, Victoria, Morales, Gesualdo, de Cabezón, Dufay, Prés, Gabrieli, Encina.
P.D: Además, el valiente que se encargue de investigar sobre la siguiente pregunta y responderla correctamente tendrá doble positivo. Podéis ir probando suerte en vuestro comentario. El día de repaso del examen revelaré la respuesta correcta: ¿Por qué es Carl Orff una figura muy importante EN EL ÁMBITO EDUCATIVO-ESCOLAR?
La entrada de hoy está centrada en uno de los puntos más importantes de la historia de la música: el nacimiento de la polifonía. Tal y como hemos visto en la unidad 1, antes de la polifonía existía lo que se conoce como monodia.
La palabra "monodia" procede del griego y se divide en dos: mono- (solo, único) y en -ode (canto). De esta forma, podemos deducir que la monodia es toda aquella música que está compuesta para una sola voz.
Por otro lado, la palabra "polifonía" procede del griego, y se divide en poli (varios) y phonos (sonido, melodía). De esta forma, podemos deducir que la polifonía es toda aquella música que está compuesta para varias voces.
Pero veamos esto en la práctica. Si tú y tus dos amigos cantáis la melodía principal de cualquier canción y lo hacéis los tres en el mismo tono, lo estáis cantando a una sola voz (monodia). El mismo tono quiere decir que cantáis exactamente las mismas notas. De esta forma, aunque seáis tres voces (tres personas), en cuanto a melodía solo hay una, porque los tres hacéis la misma. Sin embargo, sin cataseis lo suficientemente bien como para cantar uno una determinada melodía, y los otros dos una 3ª o 5ª superior (lo más común), estarías cantando dos melodías diferentes.
En la práctica, es mucho más sencillo de detectar. A continuación podéis ver un vídeo de un grupo llamado "PENTATONIX". Es un grupo relativamente nuevo que se ha ido haciendo un hueco en el panorama musical gracias a sus increíbles covers (versiones) de canciones actuales. El vídeo que adjunto es un divertido repaso de algunos estilos musicales de la historia de la música. Desde el minuto 00:00 hasta el 00:15 (el "salve"), cantan en monodia (pura y dura), ya que aunque sean cinco, todos hacen la misma voz. Desde del minuto 00:16 en adelante cantan en polifonía, ya que cada uno hace una voz distinta.
Si os fijáis, los dos integrantes de abajo hacen una serie de sonidos especiales. El de nuestra derecha utiliza la técnica del beat-boxing, que consiste en imitar los sonidos de la percusión electrónica como si fuera una mesa de mezclas humana. El de nuestra izquierda (con una voz increíblemente grave) rellena armónicamente al conjunto llegando a imitar con su voz sonidos del bajo eléctrico, la guitarra eléctrica, o diferentes melodías instrumentales.
Nos encontramos ante lo que podemos denominar como POLIFONÍA 2.0ya que, además de varias voces, los chicos de pentatonix imitan la presencia de toda una plantilla de instrumentos (y ciertamente, el resultado es espectacular).
Lo siguiente que tenéis que hacer es:
1º- Comentar qué os ha parecido el vídeo (qué os llama la atención, hacer algún comentario sobre alguno de los cantantes en concreto, comentar si su estilo os resulta agradable, si os parece fácil o difícil montar un cover de esta forma, etc.).
2º- Elegir una de vuestras canciones favoritas, escribir su título, su autor, y poner enlace de su vídeo en Youtube. Una vez hecho esto, tendréis que justificar porqué es polifonía (ya que hoy en día, la monodia es prácticamente inexistente a nivel comercial).
El presente blog es un espacio abierto de aprendizaje en el que se pretende crear un marco favorecedor para el intercambio de conocimientos y para la interacción entre el profesor y los alumnos. Poco a poco se irá procediendo a la subida de imágenes, vídeos, enlaces, y todo tipo de contenido en general, a partir del cual se irán realizando comentarios y nuevas aportaciones.
Para ir rompiendo el hielo, el primer hilo va a estar relacionado con la música actual. Concretamente, con un fenómeno musical que –a pesar de que pueda gustarnos más o menos– está rompiendo los moldes de la industria musical. Hablamos de Rosalía Vila.
Como ya os comenté en clase, creo que Rosalía es una artista que cuenta con igual número de detractores que de admiradores. La cuestión es que cuando el número de seguidores puede contarse por millones, hay que tener claro que no estamos hablando de cualquier artista y que –independientemente de nuestro gusto musical o de nuestra mayor o menor preferencia por su música– hay que tenerla muy en cuenta dentro del panorama musical.
Lo que pretendo inculcaros con esta entrada es algo importantísimo dentro de la asignatura: desarrollar nuestro propio criterio musical.
Escucho cada día multitud de críticas hacia Rosalía. Aunque considero que sus dotes como cantante son limitadas, hace muchos años que España no exportaba un producto musical con tanta calidad y repercusión de tal calibre. Subrayo lo de "producto musical" porque otra de las cuestiones que vamos a trabajar es conocer la diferencia entre cantante, artista, músico, autor, letrista, compositor, arreglista, productor o discográfica, entre otros. Muchas palabras para definir cosas parecidas pero a la vez con muchos matices entre sí.
Os dejo –a continuación– un vídeo de Jaime Altozano, un joven músico y productor conocido por sus aportaciones en el mundo de YouTube. En el vídeo habla de todo el trasfondo existente en la música de Rosalía, poniendo en valor toda su complejidad y argumentando dónde se encuentra su valor.
Espero que comprendáis con este vídeo que para poder criticar o alabar una tendencia musical, una canción o un artista, es necesario justificar siempre lo que decimos. La crítica musical debe hacer siempre desde el respeto, recalcando que estamos ante una valoración propia y subjetiva (sin ánimo de obligar a nadie a cambiar su opinión a la fuerza) y dando siempre argumentos de lo que decimos.
¿Qué tenéis que hacer después de ver el vídeo? Hay que dejar un comentario en la entrada del blog respondiendo estas tres cuestiones: a) ¿Te gusta la música de Rosalía? Justifica tu respuesta en un mínimo de cinco líneas b) ¿Ha cambiado en algo tu percepción de Rosalía una vez que has terminado de ver el vídeo? ¿Por qué? c) ¿Cuál es tu artista o grupo favorito? Imagina que tienes que convencer a un compañero de que se trata del mejor grupo/artista y escribe dicha justificación en un mínimo de cinco líneas.
Recordad que para comentar hay que guardar ciertas normas de cortesía, además de respetar siempre las normas ortográficas y gramaticales. También es necesario que siempre digáis vuestro nombre y curso al inicio, ya que en ocasiones no os puedo diferenciar por el correo electrónico. Ej.: Buenas tardes, profe y compañeros. Soy Andrés Sánchez Martínez de 3ºB y aquí dejo mi comentario sobre la entrada de Rosalía.
Espero que disfrutéis del vídeo. En clase comentaremos vuestras impresiones.
Nos vemos pronto
